大师2021

如果用一组词来形容Morricone，恐怕就是伟大，天才、经典、大师、不朽了。他的音乐总能直抵人心，触动你内心最深处的感受。

恐怕一个人一辈子能写出其中一首便能吹牛逼一辈子，但谁能想到他的作品几乎每首都能成为经典。因此把他与莫扎特、贝多芬放在一起并不算夸张。即便6次奥斯卡提名，5次失之交臂，也并不能掩盖住他的光芒。最终补上了一份终身成就奖。

自己有幸在本科毕业音乐会中改编演奏过他为cinema paradiso创作的主题曲。当时邀请了林志炫的御用伴奏与我一起合作，本没抱太大希望，但当他听到那首曲子的时候，一口答应。我相信不是因为我，而是因为Morricone。

研究生毕业音乐会上，我再次选择了他海上钢琴师中的那首playing love作为返场，致敬这位永恒的大师！

2020年7月。91岁的ennio Morricone故去。但他留下的作品将永存。在感到惋惜的同时，也为同这样一位伟大的音乐家活在同一时代感到荣幸。

我相信再过一百年二百年后，人们依旧会如现在讨论贝多芬、莫扎特一样去谈论Morricone，去欣赏他的作品，因为，这是真正的大师。

相比曾经的大音乐家，他是幸运的，因为他在世的时候就被大众认可。他如同海上钢琴师中的钢琴家一般，一辈子为了音乐而活，一直坚持到了最后一刻，他不会为了这个世界放弃他的音乐之船。

发现了豆瓣奇妙的找小众电影方法 补一个影评 7.13 巴黎

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印象最深的台词是 la normalité devient l’excellente

隔着电影和音乐 都可以感受到他的真实和纯粹 所以不愿意讨巧 说他的音乐是eternal的

毛毛老师说读文学作品 你会看到不同的人生 不同的选择会走向怎样的结果 来思考搭建和规避什么来获得自己想要的人生 电影也同样 特别是纪录片的真实性 很感谢那个夕阳很美的夜晚 因为十四号线停摆而被推荐了这部电影 认识了Ennoi 他的眼睛好亮 纯粹 真挚 情感充沛 仍然会提起几十年前的一句话一个人而热泪盈眶 大概是因为爱 理性 和理想 他和他妻子的爱情 可能给我展示了 白头到老的可能性 两个同样真诚 souriant的人 妻子给了他最大的支持和爱 他也是一样的 （ps可能是太爱音乐了所以没有别的七七八八的事情）他并不是天生神童 但是最后却变成了 影响电影史 音乐界 和世界的人 虽然一开始鄙夷电影音乐 但是还是一次次被打动而坚持创作 看到拿奥斯卡的时候哭了 太共情了 世界欠他一个奥斯卡

最近和意大利的联系紧密 发现就算是五十年前电影 音乐 意大利审美也很绝 可能是被欧洲五猪的刻板印象和大国鄙夷一切的路径依赖影响了没有了解就下判断

眼睛里真的有光 整个人的状态好好 （开始放心了好像衰老并不是可怕的）

他一生都在 experiment 各种形式的声音和音乐 这也是 到现在都能打动人心的原因吧 一直self revolution

世界上的选择 和有趣的事情 “厉害”的事情太多了 并且各不冲突 就像乐团 可以是很好的pianist 也可以是杰出的composer 并不存在哪个比哪个高 我意识到 当我心里暗自评判“厉害”的时候 我还是儒家入世文化的余孽 人生的选择太多了 大家可以 百花齐放 百家争鸣 才是真正的繁荣 啊突然想明白了为什么秦之前是最好的时代 大家互相欣赏 而不是互相作为假想敌 人的意志和精力都被这些东西消磨掉了 哪里来真正的创造呢 make sense

好想听一场ennoi音乐会

真正的艺术家 正如朋友没学过音乐也能写歌

是靠天赋的

当我们弹奏音乐 或者听的时候 是有situation或者image的！

就像画画不能困在局部 弹奏也是 要有大的picture

我每天被社交信息打扰和包围了 平添了许多不属于自己的烦恼

近期看得最好看的片子了。片子是以编年体回顾了他的作品和艺术生涯。其实片子里涉及到了很多专业的音乐作曲知识，有些我听不懂，但是并不影响电影引领你理解他的伟大，我们可能之前都没有意识到他的伟大。 当那些熟悉的曾经感动我们的旋律响起，配上那些经典的电影画面，鸡皮疙瘩都起来了。而且片子还涉及他太多的优秀作品实验性质的开创性的创作我之前根本没听说过。还有太多太多有意思的细节了：老爷子提起自己六十年代七十年代的作品，旋律信手拈来；父亲曾经是小号手但是年长后已经不是出色的小号手了，莫里康尼在父亲在世时就没有用过小号元素；他提起年少音乐学院毕业考试得到高分和导师的肯定依然眼含热泪，提起得意的作品眼睛闪闪发光，提起奥斯卡屡屡落选的愤愤；学院派对他的否定的失落和后来内心的和解，没有这份感性又怎么能写出来那么好的作品呢。真的是一位真诚的天才。没有他的音乐，有太多的电影压根儿不会是现在的面目吧。PS:意大利人太能说了，采访那老几位表达能力真强，叭叭儿的

真正的音乐是有灵魂的。我们会沉浸在音乐里，正是因为灵魂隔着时空在和我们对话。 《美国往事》《天堂电影院》《海上钢琴师》《西西里的美丽传说》《镖客》三部曲……，如此众多的经典，是电影与配乐的互相成就。莫里康内以一己之力，纠正了之前人们唯室内交响乐为上而鄙视电影配乐的偏见。天才总是实验先锋，无论是《荒野大镖客》的口哨、《美国往事》的排箫，还是《教会》里的双簧管，这般大胆的器声乐使用闻所未闻，他总会给人带去遏云裂帛的惊艳。最让我震撼的，是莫里康内先创作出《美国往事》的主旋律，在拍摄《美国往事》现场时，罗伯特·德尼罗居然需要现场播放配乐作为背景才能让他更入戏。 我不太喜欢片末介绍他在垂垂老矣时才与奥斯卡结缘——无论是2007年的终身成就奖还是2016年《八恶人》的奥斯卡奖，都更像是给他安慰的补偿。6次奥斯卡提名，5次失之交臂，学院派对他的轻视可见一斑。但天才没有苟且，只有风骨。茨威格在《人类群星闪耀时》中说，“一桩奇迹或者一项非凡事业要想获得成功，一个人对这一奇迹本身的信念往往是占第一位的前提。”就音乐而言，莫里康内就是人类群星中闪耀的那一颗。

追逐那声音，先看了书。我对此片的伟大不想要更多赞美。

有几点感触，一是他的很多设计思路，in some way，和周杰伦的作曲有异曲同工之妙，我觉得这是高水平，not天才，之间的共性。我在百度上搜这两个人，没有任何联系，但我情愿相信，在某个时刻，杰伦听到了莫里康内的音乐有所启发。

二，顶端的人对品控的要求和normal or majority的不同。

三，我之前的遗憾，是没有见过mj,leslie,也有没有听到莫里康内的演奏会。我想有生之年，有机会要多去争取，目前是阿莫多瓦。

四，他对于编曲出身做电影配乐感到羞耻的struggle，我只能说，专注踏实的人，能够实现一些。电影音乐，本身就是当代音乐！

有水平，你就要有你的坚持。

我觉得，在某些方面，莫里康内和黑泽明很像。勤奋的代表：拿张纸，写乐谱or剧本，这是你进入这个行业最没有门槛的东西，通过写，你知道其中的结构，知道它的发展。我很信黑泽明的一句话，创造来源于记忆。这是这些勤奋的高手们的秘诀。

领奥斯卡最佳配乐，约翰威廉姆斯在侧，排面懂不懂！我觉得可以和很多音乐大家媲美！

他就是美妙音符之王，美妙音符是永垂不朽的！

音乐，在写之前，必须经过深思熟虑。这是一个问题。一个当人们开始创作时，就一直会在那里的问题。在这个作曲家的面前，会有一张白纸。我们该在面前的这张白纸上写着什么呢？我们往上写点什么？有了，那儿有一个想法，值得发展的思路。而这个思考必须不断推进。我们在探寻什么？我们不知道

朱塞佩·托纳多雷拍埃尼奥·莫里康内，怀的是备受关照的晚辈对大师前辈的敬畏之心。一百五十分钟的纪录片《音魂掠影》（Ennio: The Maestro）以托纳多雷对莫里康内的长访谈和电影片段为主，穿插各路人士对他的回忆和看法。剪辑很好，多人谈话被看不见的绳子收束成紧密的对谈，莫里康内和导演们的哼唱变幻成老电影的画面。最后半小时是狗尾，奥斯卡对老年莫里康内终身成就的认可，昆汀·塔伦蒂诺对他的至高赞美（热爱程度超过莫扎特和贝多芬），含有盖棺定论的意味。但凡你看过莫里康内配乐的500部电影中的几部，或者认真看完纪录片的前两个小时，都会认同最后的半小时是多余。虽然受到世人认可会让大师高兴，可能还会落泪，但这种高兴不会超过他在谱曲时，甚至不会超过他在影片开头缓缓做运动时。 我从来没见过哪个老人有莫里康内这样清澈明亮的眼神。他的眼睛给人很深的印象，不像大多数人，老了以后眼皮完全遮掉眼白，只剩眼珠，空洞地直通灵魂。戴上老花镜的莫里康内，更放大了这种未被岁月抹杀的奇迹。埃尼奥·莫里康内的眼睛这部纪录片避开大部分他的私人生活，只浅浅谈到童年作为小号手的父亲对他的影响、像圣母一样永远微笑的妻子玛利亚、最重要的导师戈夫雷多·彼得拉西和象棋，完全未提及他的另一个热爱：足球。象棋教他学会“人生的挣扎”。话是这么说，我们还是很难想象，一生只有一位挚爱，生活简单的莫里康内，为何能像第一流的小说家一样洞悉人心，为每一个合作的导演、每一部电影挖掘出创作者本人都未曾料想的宝藏。五百部电影像大海一样宽广，仅仅看影片中的剪辑片段都能感到风急浪高，何况要为它们一一配上音乐。埃尼奥·莫里康内和一生挚爱的妻子玛利亚莫里康内第一遍看样片时，有时会表现出快要睡着的样子。熟悉他的导演也不清楚他究竟是在打瞌睡，还是像西部片里的高手过招，无招胜有招。 安东尼奥·蒙达出过一本莫里康内的口述访谈录，记录了作者对莫里康内的十五次采访，内容比较侧重大师的电影合作者。我更喜欢这部电影版的访谈录，它惟一的主题是音乐，连大师本人都在音乐的背后。 听埃尼奥·莫里康内讲音乐，听他连说带比划边哼唱那些电影音乐的诞生。《荒野大镖客》（A Fistful of Dollars, 1964）里小号的转音，如何影响到克林特·伊斯特伍德的表演（他只是第一个，之后还有要求在片场播放原声带才能入戏的罗伯特·德尼罗）。塞里乔·莱昂内坚持在《黄昏双镖客》（For A Few Dollars More, 1965）中再次使用口哨和小号，莫里康内则有自己的原则。大半个世纪的职业生涯中，莫里康内有两条原则：不肯重复自己；不愿让导演在自己配乐的电影中用别人的音乐。 克林特·伊斯特伍德——《荒野大镖客》对位（counterpoint）是埃尼奥·莫里康内一生的主题。他在音乐里自觉或不自觉流露出的对位，反映他在实验音乐和古典旋律，电影配乐师和作曲家身份转换中的矛盾心理。约翰·凯奇在一帮严肃作曲家聚集的音乐节上玩声音实验时，莫里康内也开始用小号发出非小号的声音。《西部往事》（Once Upon a Time in the West, 1968）中著名的音效，来自他扭转长梯发出的声音。 “声音也是音乐。”他后来又试过连续在三部先锋电影中用“声音”替代“旋律”配乐，直到别人告诉他：“这三部听起来都一样，而且你会为此丢掉饭碗，再也不会有导演来找你配乐。”

“他用音乐创造了一部平行电影。”——贝纳尔多·贝托鲁奇《鞑靼人的荒漠》（The Desert of the Tartars, 1976）关于遗落的青年之梦。瓦莱瑞奥·苏里尼想听莫里康内曾经在钢琴上敲出的四个音符。这四个音符后来成为电影的主题曲，五把军号的曲子在雪山前彼此追逐，象征永远不会到来的假想敌，驰往最终的幻灭。

莱昂内听莫里康内演奏《Once Upon A Time In America》莫里康内一直相信少即是多。他可以把四拍子的四个音通过轮番敲重音变出一首歌，能从郊狼的嚎叫和窗外的游行队伍鼓声中找到灵感。所以莫里康内的音乐动人，对音乐再鲁钝的人也能记住反复出现、不断变形的一小段旋律；所以他宽广，从流行歌曲到交响乐，实验音乐到爵士无所不能。也因为莫里康内心思纯净，易动感情，书里、影片中都留下他忆故人泛泪光的时刻。埃尼奥·莫里康内带着越来越多的记忆往前走，桌上空白的谱纸在等候他落笔。他想让某一个想法落地生根，开枝散叶，让树木移动，去追逐那个想法。“可追逐的是什么？我也不知道。”