理发师

波顿的电影都很“好看”，通常都会留下一些经典的艺术形象，甚至这些形象的意义超过了作品本身。本部也是继续了他驾轻就熟的哥特风格。依然让看过片花和海报的人报以厚望。但是看过影片就会觉得对于人性的刻画笔墨太少，唱段和情节的衔接比较生涩，德普等人的表演也略显僵紧。

如果那天叶锦添当导演，也是这个路子吧。

于是金小姑娘的运动员前男友没有死，所以爱德华也不必有负疚感，与金结婚过起了幸福快乐的生活，还生了个女儿（……别问我机器人能不能生孩子）。然后法官斯内普（也许是被甩之后奋发图强的前男友，也许不是）带着跟班虫尾巴驱逐了爱德华这个剪刀手机器人，还抢走了他的妻女。十五年后爱德华重返故里，在贝拉克里特斯表姐（……很穿越吧，我看见艾伦大叔唱“吧吧吧吧吧吧吧”也觉得很穿越啊！仿佛看见了斯内普校长继承前任的爱好哼小曲呀！顺便问一句如此哥特的波顿夫妻俩生出来的孩子到底得有多哥特呀！求照片！）的帮助下开始了复仇之路，而最后……他终于与妻子永远在一起了。

凡人陶德尚如是，何况怪物爱德华。感谢前男友的奋勇牺牲，让爱德华可以一辈子待在高高的城堡里往小镇上洒忧伤的雪花。

如果你期待着一种极致的残忍，残忍到能够让你忘记生活中的一切，而只记得屏住呼吸、睁大眼睛，忍耐着狂躁的心跳注视那被黑色、灰色和血红色染遍了的银幕；如果你需要一种极致成美丽的残忍，那么这部交响诗篇一般的哥特电影绝对是你的首选。

影片乍一开头，伯顿同志就很明智的选用了一段cg来表现魔鬼理发师杀人放血绞肉做派的全过程。不得不提一下史蒂芬·桑德海姆Stephen Sondheim所作的曲子，配着满屏鲜艳的血色实在是让人在电影院里如坐针毡。倒不是说画面本身有多可怕，而是桑德海姆先生擅长的、魔鬼般的不和谐音在人们心理激起的本能的厌恶，混合了音乐本身黑暗、怪异而又凝重的意境，简直犹如恶灵一般挥之不去。你会极力想避开那些令人心神不宁的音符，却在不知不觉间已被它们占据了心灵。于是那如影随形的音乐的阴霭自始至终回荡在观众脑海中，从德普躁郁的“No Place Like London"到卡特充满虚情假意的怜悯的“Poor Thing",从复仇的交响乐“Pretty Women"直到那个血腥而凄艳的"Final Scene",就算中间有少许"Johanna"一般热情鲜妍的华彩亮点，也被失去爱人的水手安东尼在黑暗的陋巷中唱成了一曲悲歌。从没有一部音乐剧被如此华丽地再现在银幕上。从没有一部电影的配乐，不只是在旋律带来的直接感受上，而且是在更加深层的乐曲意境上，激起观众对乐曲、情节和画面的双重共鸣。那种诡异的不和谐，带着点残忍的幽默，完美地混合了爱与冷漠、凶杀与忠诚、绝望与希望，与影片本身荒诞而残忍的世界观结合在一起，让每个镜头都能成为一段独立的交响诗。而影片结尾给人的感觉就像一曲终了，桑德海姆一气呵成的音乐整体性也令人叹服。

一直在用“残忍”这个词，而不是“残酷”。因为德普饰演的这个华丽的复仇者并不是完全地冷酷无情。他在面对带着妻女一起来理发的男人时也会手下留情，甚至会有点自嘲地背过身不看那个幸福的小家庭。而另一方面，他也无时无刻不在“忍”：忍耐自己复仇的欲望，也忍耐着内心残存的一丝温情，硬生生把自己变成割喉的野兽。每次杀人他都念叨着那个魔咒般的名字，女儿的名字“乔安娜”，那种疯狂的温柔令人不由得不寒而栗。最可怕的其实并不是被爱情驱使而沦为失去理智的野兽，而是像斯韦内这样一个清醒隐忍的杀人狂。于是我们看着斯韦内，这个背负着深重罪孽向往美好的复仇者，时而歇斯底里，时而阴郁漠然，在劝诱蒂莫西·斯鲍尔（没错，就是哈利波特里演老鼠那个）饰演的法庭官吏时甚至还透出一点杰克船长的花哨浮夸表情来。但这一切只是为了复仇，不仅是向坏法官（斯内普教授= =）复仇，甚至把狂妄的目标放到“所有街上的男人们“。这点应该是伯顿同学为自己浓墨重彩描绘杀人狂传奇故事找到的一个折衷点，而且必须承认它不可避免地落了俗套。但是，如果没有了对这种隐忍的愤怒的一次次深化与重章复唱，我们就欣赏不到在与仇人共同轻声吟唱的"pretty woman"乐曲声中，一点点变得狂暴，一点点被疯狂的正义所主宰的斯韦内，他无比优雅的举刀动作中同时蕴含了极度欣喜与极度悲凉。当他终于挥刀下手，鲜血喷溅出来的那一刻，相信所有人都长出了一口气：看啊，这个男人为了这一刻已经付出了那么多，现在他终于可以安宁了。最后一幕斯韦内抱着误杀的爱人死去，他的鲜血流淌在她紧闭的双眼上，沿着她带有伤痕的嘴唇一直流到地上，我几乎要相信她马上就要睁开眼睛，天使般地微笑着对他说：亲爱的，谢谢你为我做的一切。然后说，我宽恕你。——我承认自己实在是太希望、太希望给这个冰冷的男人一个救赎了。

至于苍白的拉维特太太，一个总是显得市侩、猥琐、狡猾、冷血的女刽子手，却总是被狂热的爱恋和不经意的温情暴露了她的女人本性。尽管在“A LittLe Priest"伴奏下，海伦娜·邦翰·卡特这个女版德普和男德普一起，犹如两个空虚的吸血鬼一般透过玻璃窗望着芸芸大众，一面满不在乎地讨论拿谁做肉馅儿的严肃问题，但他们很快就唱着歌，手执菜刀和擀面杖共舞，险些让人确信这对冷血男女就要成为情侣了。然而不管她怎样努力，在他面前都只能是一个剃刀反光里模糊了的可怜剪影，或是映在破碎镜子里的扭曲身形。她不是出现在他回忆中的那个永远鲜活的金发形象。她穿黑色和灰色的连衣裙，她用极暗淡的红色作饰物，连她的头发也是一种脏兮兮的暗红色。这个可怜的女人用轻微到颤抖的声音说道：“我也是您的朋友，陶德先生。”，用嘴唇卑微而贪婪地轻触他的头发，用略微苍老的丰满手臂挽着他在草地上做一个天马行空的美梦，却逃不过被他推入烤炉化作灰烬的命运。她在堆满尸体的地下作坊乞求着，高声唱着“我没有说谎”，声音是那么纤细无力，徒劳地想盖过他充满愤怒的指责。她疲劳的眼睛在对他倾诉：我只是太爱你了。而他并不想留意。在他面前她始终是一个苍白到有点可耻的形象，总显得自卑，却又是如此地让人无法憎恨。片子结束后再听她最初的歌曲“The Worst Pie in London",开头一句俏皮的"Ah,A CUSTOMER!!"，倒觉得宁愿她一辈子都是那个做着难吃的派的肮脏女人，在蟑螂横行的店铺里默默终老。

另外一首歌，是由拉维特夫人收养的小男孩托比因为担心斯韦内加害夫人唱出的"Nothing will harm you, not while I'm around.",由于其天真的温情而感人肺腑。然而这首歌在后来拉维特与斯韦内四处搜寻发现了他们秘密逃走了的托比时，再次被拉维特甜甜的声音唱出来，立刻形如鬼魅。阴暗的下水道里，一个故作甜美的女声回响在石头墙壁之间，听上去不可思议的冷酷。也许托比就是在那时决定了要狠下心来，拿起斯韦内掉落在地的剃刀，完全没有犹豫的、坚定地向他的脖子划下去。

至于那个结局，其实也早有端倪透出。不只是疯癫女乞丐对斯韦内一句如逢甘霖般的“先生，我认识您吗？”，早在女乞丐在法官家门口徘徊时，就有点预料到她是一个会变成线索的人物。只是没有想到竟是这样一个结局。沉重的音符压得人透不过气来，在还没有意识到那是结尾时，在还天真地期待着僵尸新娘似的更加光明的结局时，黑压压的字幕已经迫不及待地涌了上来。一刹那，善的和恶的都已经消逝，只剩下年轻的、经历过种种不幸的、痛苦而充满梦想的孩子们。他们正等待着生活。正应了斯韦内开篇的一句话“You are young, you will learn"!




闲话：
话说今天是第一天在爱丁堡放映，以一部歌舞片的身份居然能够座无虚席，也算是证明了某金牌搭档的号召力。
每次看到斯内普教授和老鼠先生就很想笑。
很期待完全版dvd,里面那段斯韦内·陶德刀下亡魂大合唱“被斯韦内·陶德杀害的人们”~

    已经有两次看到强尼•德普在奥斯卡颁奖晚会上落寞的神情了，柯达剧院里，风光的是别人。西恩•潘、丹尼尔•戴•刘易斯举起了奖杯，他们的表演是学院派的，其表演的精彩片段都是主角大暴走、神经质的嘶吼，这种不疯魔不成活的角色确实很考验演技，但总是年年岁岁花相似，花落谁家无悬念，不免让人兴味索然。据说奥斯卡晚会的收视率下滑了，活该。我有时抑制不住恶毒的想，如果奥斯卡的评价参数永远不变，那么请出我们台湾的咆哮大神景涛•马参与评奖，那他岂不是可以蝉联影帝到老？

    德普的表演是非学院派的，从来没有在哪部电影里看到他饰演的角色会有扭曲纠结的表情、崩溃抓狂的状态。表演的强度、力度，都不是他擅长的，斯坦尼斯拉夫斯基由外而内再由内而外的那一套并不是他的圣经。对一个天才型的演员来说，学院派的教条只有一个归宿：垃圾桶。德普的表演是漫画式的、夸张的、亦庄亦谐的。《加勒比海盗》系列里杰克船长风情万种的兰花指、逃跑时妖娇的身段，剪刀手爱德华的纯良木讷、人畜无害，《断头谷》里科学侦探的胆小怕事、乌龙龟毛，《查利与巧克力工厂》里工厂主的一片童心、鸡婆三八，这些令人激赏的另类表演，都可以让观众或捧腹或落泪，但是从来没有打动过不动如山的奥斯卡评委们。

    德普最近的片子是《理发师陶德》，隐约和以前的经典《剪刀手爱德华》构成了对应关系。《剪》是关于爱的，《理》是关于恨的。故事发生的环境大异其趣，《剪》是阳光明媚色彩绚丽的幸福小区，《理》的故事发生在中世纪肮脏混乱的伦敦，天空永是灰黑厚重的云层，雷声隐隐，电光闪闪，一副世界末日的图景。两位主角，剪刀手爱德华和理发师陶德都是顶尖的理发师，技艺高超，不过两人刀子下的成果却是截然相反的，爱德华修剪出精致的发型、精巧的园林、精美的冰雕，而陶德的兴趣比较单一，专注于一条可以喷薄出猩红鲜血的颈大动脉。剪刀是用来赢得好感、示爱的，剃刀是用来报仇泄恨的。两部电影的影像风格也是泾渭分明的，一个童话，一个哥特，不过，童话里也有黑色时刻，哥特中也有幻想的天堂。

    在与《剪刀手爱德华》势成冰炭的《理发师陶德》里，德普奉献了迥然不同的表演，从一个极端走到了另一个极端，从纯良木讷一变而为邪恶暴烈。如果剪刀手热爱的的金遭到迫害凌辱，橙红色的日子不再，童话终结，善良的剪刀手也会变得狠毒，一个学会了爱的人也会被恨俘虏，剪刀手会顺理成章的成为剃刀手。《剪》中一个机器人由于爱的催化而成为了挚情的“人”，《理》中一个温良的绅士由于家人和自身的惨痛遭遇，在恨的腐蚀下，由一个人变成了“机器人”，成为了复仇的机器，成为了一具只有滔天恨意的行尸走肉。天堂地狱一线间，童话哥特若比邻。《理》采用了歌舞剧的形式，夸张的肢体，急促的唱词，理发师那张活死人般惨白的脸上，戾气缭绕。德普的表演着落在行动的坚决、情绪的焦躁、语言的尖刻，仍然没有学院派想要的扭曲纠结。《剪》与《理》，爱与恨，德普都拿捏得恰到好处，虽然不够力度，但拥有几乎完美的纯度。两种极致叙事，饮冰浴火，这对一个演员来说无疑是炼狱般的考验，很多演员在这种考验面前想要涅槃，却一不小心成了尸变，而德普却游刃有余、轻松过关，提剃刀四顾，踌躇满志、舍我其谁矣。

    剪刀手与剃刀手，天使与魔鬼，纯良与邪恶，童话与哥特，德普的表演总是影迷们的盛宴。在奥斯卡晚会上神情落寞的“好莱坞最性感男人”，是我们的无冕之王，是我们隐秘的狂欢。

这是一部伟大的电影。

从茱莉亚·罗伯茨和梅格·瑞恩开始，我沉迷于浪漫爱情轻喜剧，我需要一部又一部，忘掉爱的纠结，情的阴郁，只剩甜蜜心动，像胖子需要甜甜圈来让他们忘记减肥的苦痛，我需要爱情片麻痹为爱情受伤的心。

但真相就像是《理发师陶德》。看完这片子，我大概很长一段时间根本不再需要什么特别的爱情故事，因为爱情本就没有什么特别。爱情就像漂亮女人的新衣服，明天的她不会比今天的她穿得更美，因美貌已随着时间与日剧减，新衣服只是带来点儿新鲜感，麻痹眼睛不要关注到这一真相。《理发师陶德》将这道理说透，爱情没什么特别，尘世的红男绿女，都只是徒劳在寻找些爱情的新鲜感，真正爱情已经叫人厌倦。

蒂姆波顿给我们讲了四段俗到爆炸的爱情，揭示给我们爱情是有多么乏善可陈。

男人的爱情，失去一个最爱的人。

约翰尼德普带着他的诡异笑容和天生忧郁来演出一个复仇男人，一个失去了他深爱的美丽女人的男人。请问哪个男人爱得最深的一次，不是已失去的那个美丽女人？

女人的爱情，爱上一个永远不会爱你的人。

长得和约翰尼德普一样诡异阴郁的海伦娜卡特来演出一个独自坠入爱河的女人。请问哪个女人爱得最深的一次，不是独自坠入爱河？

女孩想离开，男孩想拯救。

在所有童话中，我对《莴苣公主》印象格外深刻，莴苣公主是个被困在城堡里的长发女孩，她无法逃脱被囚禁的命运，（当然，每个女孩儿都无法逃脱被囚禁的命运，对这该死的命运有兴趣，可以参考另一部伟大的电影《处女自杀》，女孩告诉你，什么叫做不自由毋宁死）只好放下长发，发现她的那个王子，就可以顺着长发爬上来拯救她。莴苣公主爱王子吗？这才不是重点，管他是王子还是卖肉的，姑奶奶要的只是离开这该死的地方。而男孩要的，就是拯救一个莴苣公主，莴苣公主爱我吗？这才不是重点，我管她是公主还是自闭症，大爷我只想骑白马或者骑哈雷拯救一个女孩，总之就要做《托宝奇兵》里的哈里森·福特就对了。

每个人的爱情，从始至终不会有什么改变，爱得都是同一个幻像。

你看，蒂姆波顿的电影里都有个金发纤瘦苍白五官精致女孩，就像张艺谋的电影里都有个性格执拗的农村女人或者叫秋菊或者叫魏敏芝或者叫静秋。在《剪刀手爱德华》里，我挚爱的薇诺娜赖德一头黑色短发人间蒸发，被改成他要的金色卷曲长发，在《理发师陶德》里则找来了照葫芦画瓢的珍妮·怀森纳，我打赌他才不在乎那女演员是谁，她们都是蒂姆波顿女孩儿而已。

 

男人在男人的世界里，女人在女人的世界里。陶德刚刚搬回洛维特太太的楼上，准备开业的那一段，陶德和洛维特太太一个在说自己的复仇计划，一个则在倾诉衷肠，两人根本没有任何“交流”，都在自说自话。这一段我简直太爱了，完全将男人女人内在不可调和的东西，如此明白无误地具体展示出来。像直接挖出两颗心脏，拍在桌子上，“看，就是这么不同！”

还有一个我最喜欢的，就是蒂姆波顿疯狂地描述了爱情。

洛维特夫人很动人，她做足了一个女人为了爱情可以做到的一切。

爱一个男人，洞悉了他的一切，他的爱情，他的仇恨，他的计划。

爱一个男人，帮助他在菜市场一夕之间扬名立万。

爱一个男人，帮助他杀掉所有其他人，我甚至还可以帮助他把尸体剿成肉馅，毁尸灭迹。

爱一个男人，最终死在他的手中，被他推进地狱一样万劫不复的火焰。

维洛特夫人只是个普通女人，她向往着幸福生活，想给陶德的店里加点雏菊或者紫罗兰，她爱着小孩儿托比，虽然只是打杂的，她一心劝说陶德放弃复仇，和她结婚，到海边生活。这一切，都是这阴郁的电影，或者我们阴郁生活中最美好的部分，属于普通女人的部分。正是蒂姆波顿把她描画成一个普通女人，那些为爱情而做到的疯狂才异常动人。

　　观看《Sweeney Todd》的电影版，大概是我观影经历中最专心和最不专心的一次了。
　　说专心是因为作为对其词曲作者Sondheim的拥蹙，对电影版期待已久，在知道剧情的前提下，每一个细节的表演和画面都仔细琢磨。说不专心是因为对百老汇音乐剧版本（主要是指1982年巡演版本）烂熟于心，所以每到一处，都在和它作比较。

　　不比较则已，一比较则有诸多地方不满意。作为音乐剧版的忠实拥蹙，首先自然是对曲目删减的不满。我看到下面有许多评论者抱怨音乐不好听。但你们是否知道，Sweeney Todd中最棒的一个唱段，开场曲“The Ballad of Sweeney Todd”被删减去了【同样，这首曲子结尾的再现也被删去了】。现在的开场“No Place Like London”，实际上是几个宣叙调的结合【我并没乱用歌剧术语，Sweeney Todd虽说是音乐剧，但Sondheim基本是按照歌剧的格式写作的】，再加上这几个宣叙调的旋律走向过于不和谐和阴森，给人的第一印象就是：旋律不好听。但是，如果第一印象是原本那首“The Ballad of Sweeney Todd”的话，至少在感觉上会有不同。更要命的是，“The Ballad of Sweeney Todd”事实上是全剧最重要的一个主导动机，本来是要在全剧再现五次的，现在自然这些再现也一并删去，只在“My Friend”唱罢后，在背景音乐处演奏了一小段。
　　
　　若不考虑的Judge Turpin的Johanna【过于猥琐所以连舞台上都几乎没演过】，另一个被删去的唱段是四重唱Kiss me【不过据说是拍了这个段落的？但我看的版本中没有出现】，又恰恰是一段较为抒情悦耳的旋律被删去了，随之被删去的是执事的那段“Ladies in Their Sensitivities”，可惜了一段优美花哨的男高音。另外，Anthony初遇Johanna那场，在唱“Johanna”之前一段铺垫“Ah Miss”也删去了。
    
　　由于原本的音乐听得太熟悉，所以对曲目方面更大的不满是曲目内部的删减。最觉得惋惜的是Toby吆喝生发水的那段“Pirelli's Miracle Elixir”以及人肉派生意兴隆的“God That’s Good”，原本都是有顾客的合声部分的，现在统统被删去，显得单薄了很多。“Pirelli's Miracle Elixir”的变奏段落也随之被删去了。Todd杀人同时Anthony寻找Johanna的那段“Johanna”，本来是个三重唱，也有Johanna本人的部分，现在也被删去了。

　　我列举出被删去了的段落，并不是炫耀自己对原先版本的熟谙程度，况且哪怕是百老汇的版本也因为总谱太长而有删节。
　　关键在于：Sondheim音乐剧最有魅力的地方本就在于词、曲、剧情、理念的完美结合。也因此他的旋律往往不会刻意往优美的方向行进，而是符合此情此景，几乎不可能把sondheim音乐剧的某一首曲子单独拿出来看，你会发现所有的曲子都是有机地结合在一起的，而曲子部分又通过歌词和剧情和理念联系到一起。所以说，在我看来，删节对于别人可能无伤大雅，对于Sondheim音乐剧是不能忍受的，想要理解这一点，最好要对着Sondheim那些witty又富有深意的英文歌词来看。
　　Sweeney Todd的故事是个被讲烂了的老故事，现在大家都知道这点。Sondheim的奥妙之处是它如何阐释这个故事，这就得落实到唱段安排上。如同已经提到过的，主题旋律“The Ballad of Sweeney Todd”的删去，一个直接效果是，前半个小时在音乐上面有些闷【“The Worst Pie In London”是个例外，但这个连演员动作也考虑，不断切割变化乐句长度的sondheim招牌式唱段，听惯韦伯式音乐剧和欧式歌剧的听众又不是一下子能接受的】，但有心人都会注意到，这些旋律几乎都不是单独拿来作咏叹调唱的，每一个唱段几乎都有其隐含的意思在里面，而这些意思需通过后面的再现才能真正得以展开【电影版事实上删减了其中一些再现】。可以说，开场半个小时的唱段虽然在旋律上充满了不和谐音，但就整个剧的结合来说，它的和谐感比后半段较为优美的by the sea，Johanna, not while I’m around都要高，开头几个唱段需要细细品尝，你会发现那些看似不动听的音符放置地恰到好处。

　　光这样说其实还是太抽象。我就来简单说一说电影版的几处改动：
　　1．最重要的自然是“The Ballad of Sweeney Todd”的删去，但这个改动可以说是电影版的无奈之举，不然Tim Burton不会拍了段落又弃之不用。音乐剧版本的“Sweeney Todd”事实上自始自终都是在讲故事，而“The Ballad of Sweeney Todd”的五次再现事实上是故事外的讲故事者的口吻，但演员还是故事中这些演员，这五次“The Ballad of Sweeney Todd”事实上是一个“歌队”的作用。这一点，是电影叙事手法很难处理好的。Tim Burton最终放弃了这一点，也确实是明智之举。然而，毕竟这造成了整个剧的基调在这里有一个微妙的变化，电影版的视角和音乐剧版的视角事实上有着细微但重要的不同。不过既然Tim Burton放弃了1979到1982年音乐剧的黑色幽默处理方法，而是减少幽默感，增加阴森和恐怖感，那么这一删减也是在情理之中的。毕竟，Burton是在延续了他本人一贯的视觉风格。这个故事已那种方式处理更好当然见仁见智，只是在Sondheim的优雅讽刺和Burton的故作正经的坎普之间，我两者都爱，却更偏向前者。

   2．Anthony和Johanna的互动。这一段的是剧情上损失最多和改动最大的。电影版的一个处理是Johanna在唱自己的心思的时候已注意到Anthony，一边唱一边向他抛媚眼。可在音乐剧版本里，Johanna一直都没有特别注意Anthony这个人，多年的禁闭生活让她有些小疯癫，这一点在不幸被电影版删减的“Kiss Me”里表露无遗：都要私奔了，连对方的名字都没有搞清楚，完全是惧怕法官外加小女子疯劲，纯粹为私奔而私奔，根本不管对方是谁【虽然82年巡演版演的有些太过火】。很明显的是，为了节省时间，整个Anthony和Johanna的唱段几乎被删节光，只剩一人一段咏叹调，可是这样一来，这段情愫的浪漫主义部分被推得太过头了。Anthony 可是姓Hope的，可是Hope的部分几乎没了，就是一个一见钟情一股闯劲的傻小子。Johanna更是完全成为个冰清玉洁，守身如玉的好女子，原来的疯劲一点都没保留。确实，这段情愫是Sweeney Todd中比较光明的部分，也有其意义。但电影版的这种改动我看来味道大失。

　　这两个是最大的问题，其他小细节就不一一详述。

　　最后来说说演员的唱功了，这也是一个伤心处。Depp的演技不错，可是声音方面实在还是勉强，不服气的人对照巡演版来听就知道了。Sweeney Todd这个角色是一个男中音，但Depp的声线太浮，阴森有余，沉稳不足，在合唱的时候完全压不住，直接影响了几首合唱“My Friend”，“Pretty Woman”，“Johanna”的效果。Depp完全是靠声音的表演来掩盖唱腔上的薄弱，但由于他的声音表演太出色，所以我们可以睁一只眼闭一只眼。
    Anthony和Johanna这一个男高音一个女高音被删减戏份就算了，剩下的两首个人曲目，唱得都单薄地过分，“Green Finch and Linnet Bird”多棒的女高音曲目，被唱得味道全无，也难怪两人没有太多唱段。
　　对于Toby我也十分不满意，本来这个角色depp让一个12、3岁的小孩子来演就不按好心：渲染最后一刻小孩子杀人的戏剧效果嘛【而且还是蓄意杀人，音乐剧版本中Toby的形象是个有些弱智的17，8岁少年，最后杀todd时已半疯了，而且todd自己把脖子架上去的，几乎是半自杀。】，估计喜爱黑暗效果的人会很满意这种安排。不管怎么样，not while I’m around原版可是唱得我眼睛都湿了，电影版这个小孩一板一眼，感觉在背歌词。
    其实整个剧组的声音都是没有层次，执事和Pirelli的两段男高，一段被删了，一段改成男中【虽说“Borat”的声音挺适合演绎这角色的。】，法官大人的男低音不够低，“Pretty Woman”的层次感没有表达出来。我唯一满意的是Mrs Lovette，虽然角色性格有些变味，打上了Burton的烙印，但还是唱出了自己的味道，“The Worst Pie In London”不紧不慢，别有风味。

    耐心看到这里的Tim Burton迷不知道会不会对我破口大骂，并教训我说：电影版本来就没必要和音乐剧版一模一样，电影版要有自己的味道，云云。确实，电影的处理方法本就和剧场不一样，所以我没有提音乐剧版本优秀的舞台调度，因为这和电影没有关系。而我也确实十分喜欢Tim Burton在将音乐剧转换成电影时的那些独具匠心之处。“By The Sea”那一段真是发挥了Burton的特长。Todd和Mrs Lovette的几段对手戏，分镜头切换地恰到好处。比如“My Friend”和最后一幕的华尔兹。
　　但这只能说Tim Burton拍了一部好电影，并不能说明它是一次好的改变。对同一个经典故事的处理本就有高下，既然Tim Burton不是直接改Sweeney Todd的民间故事，而是改Sondheim的音乐，就有理由拿Sondheim的标准要求来要求Tim Burton，而很遗憾，我始终认为Tim Burton的改编没有充分保留原作的魅力。如果有人愿意写一篇“为什么Tim Burton的改编效果比音乐剧版本要好”，我非常欢迎。

　　我读了下面有人发的《外滩画报》专栏上的文章，里面提到Sondheim“建议他请来的40多位朋友们不要费心去考证电影版少了点什么”，而且他说：“想想吧，这是一部电影，可别拿音乐剧的标准去衡量。”
　　Sondheim是只老狐狸，我没他那么沉得住气。他的弦外之音十分清楚。也许对《Sweeney Todd》来说，Tim Burton和Sondheim之间并不存在着什么竞争，存在的是电影和戏剧的竞争。