旺角卡门国语

关于导演处女作的一鸣惊人，在电影界是常见常新的一个命题，这些导演大多经历过多年的底层生涯，或者是浓厚的积累，这也使得其处女作的的乍现让人叹为观止。处女作往往是一位导演初出茅庐时才气和锐气的体现，许多世界级的名导正是凭借处女作的一鸣惊人而正式登上电影艺术的圣殿，成为专业媒体和大众的宠儿。而像米尔科•曼彻夫斯基（处女作《暴雨将至》）、萨姆•门德斯（处女作《美国美人》）和盖•里奇（处女作《两杆大烟枪》）这样的天才，更似乎在处女作中挥霍了他们全部的才华，以至于此后的作品再也无法超越前作，渐渐在世俗的大潮中沉沦下去。鉴于世界电影的海洋烟波浩渺，搜寻起来颇费心神，下面还是让我们把目光的范围缩小，来看看华语影坛导演的十大处女作品是如何惊艳八方的！
十、
杜琪峰 《碧水寒山夺命金》
三十二年前，正式处于旧式武侠片的低迷期，这部《碧水寒山夺命金》作为杜琪峰的电影试水作品，确实很难与之后的作品相提并论，而且其风格尚未形成，基本上按照了老套路的手法，有较大改进的方面可以说就是打破了老武侠片的叙事模式，但是杜琪峰在导演能力方面的欠缺，使得成之为影片最大的败笔，影像太过稚嫩。只不过，从这部电影开始，也逐渐形成杜琪峰的暗黑风格，这也算是杜琪峰作为导演打下基石的一部影片。
九、
徐克 《蝶变》
作为徐克的第一部电影，也作为香港新浪潮电影中的代表性作品，这部并不失水准。虽然是武侠片，没有鲜明的新派武侠风格，但是在顺承前辈武侠片上面可以说是得当合体的。在蒙太奇效果上面，徐克已经超出前面传统武侠电影的风格，可以说是徐克的一次颠覆传统武侠片的大刀阔斧的创新型改革。然而就剪辑技巧来看，徐克一贯式的快速剪辑已经在此部影片中初见端倪，虽是奇幻类武侠电影，但依旧充满了阳刚之气，且还具有希区柯克式的悬疑效果。作为开篇的首段，其经典程度和大侠范儿，足以载入电影史册。
八、
魏德圣 《海角七号》
魏德圣近些时日因由《赛德克•巴莱》这部影片而被炒的火热。2008年这部《海角七号》作为他的第一部导演作品，着实令很多人对台湾电影有一种眼前一亮的感觉。作为台湾商业电影复兴的标杆，自然要被提升了很多地位。尽管故事内容依然落俗，但是并不妨碍其成为一部可以载入台湾电影史册的重要影片，这股票房热潮也从台湾出发，逐渐蔓延到整个华语电影圈内，从此开启了台湾商业电影复苏的大门，在这之后又有了诸如《那些年我们一起追的女孩》这样既卖座、口碑又好的影片。
七、
彭浩翔 《买凶拍人》
肥彭必须是个港片新探索的开山老怪。彭胖子用这部电影逐渐开始确立自己不是风格的风格。在《买拍》里面，有各种对香港电影的嘲讽和调侃的桥段，彭胖子用最黑色幽默的方式，嘲弄了香港电影的体制问题。这绝对不只是一部为喜剧而喜剧的影片。这部《买凶拍人》也让彭浩翔从默默无闻的小编剧一跃成为香港最具有潜力的新锐导演，而这部作品的喜剧之处正是揭了香港自身社会内部所暴露出的一些问题，其黑色幽默及讽喻效果都做得恰到好处，是一部少有的精良的处女作品。
六、
陈凯歌 《黄土地》
若是说张军钊的《一个和八个》是中国第五代导演的开山之作，那陈凯歌的这部《黄土地》绝对已经是第五代导演风格真正成熟的作品。第五代导演的精良之处就是在于他们都具有浓厚的时代感和坚实的专业基础。陈凯歌借用“黄土地”来展现人性和国民的传统价值性都巧妙绝伦，既颠覆了中国电影中传统镜头语言，其强烈的色彩摄影构成的崭新影像是前无古人的，也正是从此开始，第五代导演开始统治中国电影界近二十年之久。
五、
王家卫　《旺角卡门》
王家卫当年沉沦在香港电影编剧行业长达五六年之久，但所编影片大多都是与适应市场需求的速食电影剧本为主。但是到了１９８８年，这部《旺角卡门》的诞生，为王家卫日后在香港电影界的地位也打下了基础。影片取材虽然通俗，但故事本身的“反寓意”使影片最终并不通俗，反而更有一种特殊的真切感。而那种渐渐形成的独特影像风格，也基本上表现出了王家卫的美学价值观，也使得这部影片从极端世俗化和模式化的香港电影中脱颖而出。
四、
贾樟柯　《小武》
１９９７年贾樟柯的这部类似学生习作的《小武》甫一面世，就引起了广大轰动。这部影片既学习了中国前辈导演的散文叙事的方式，又借鉴了意大利的新写实主义的影像模式来构架真实，清新朴素的纪实风格，为当时的生活再现和还原都提供了极为丰富的素材。这种真实客观的展现方式，一下就成为了第六代导演的标签，其内容的讽刺性和多面解读性，多成为日后人们所津津乐道的地方。
三、
李安　《推手》
对于李安这样一位“十年磨一剑”的导演，其处女作的精彩程度自然是必然。他的成功之处是在于将中国文化和美国（或说是西式）文化有机地结合到一起，从这部推手里面便可看出端倪，之后的《喜宴》、《卧虎藏龙》更为明显。李安的儒雅情怀，是能从他第一部影片中就可以看得出来的，其极为强大的剧本基础，也让这部影片、以及之后的影片的观赏性大大提升。
二、
张艺谋　《红高粱》
不论现在张艺谋如何被人诟病和谩骂，早期的张艺谋作品确实对中国电影界作出了杰出的贡献。《红高粱》正式开启了张艺谋的导演的辉煌生涯，张艺谋在这部影片中，从色彩、造型、构图和摄影等多方面入手，其才华全面爆发，也使得这部影片发挥出了近乎完美的艺术特性，所展现出的浓烈的色彩、豪放的风格来颂扬中华民族独特而又亢奋的民族精神，完全是《黄土地》的升级版，生动的电影语言和借代符号语言，也是通灌全片的。
一、
姜文　《阳光灿烂的日子》
这部极具时代感的影片，并非和其他以“文革”为背景的电影，其容含的“成长”的符号，不仅仅成为了一个少年的成长史，更像是“一个国家”的成长。这部影片，不论是从内容上还是从形式上，都是一部全新的中国电影，它似乎也从某些层面上标志了中国电影跨入了一个新的时代。其意象的丰富性和严重的哲思情理，都构成了一幅“社会——个人”、“文化——心理”的绝妙图景。电影本身从不忌讳它的主观叙事立场，堂而皇之地加入了姜文本身的情调，而这也是影片的可贵之处——人们并不在意它的时代局限性，而是欣喜于它的真实和感人性，这也是这部影片真正能引起共鸣的地处。
因看片量局限，所以此排行带有自己的主观情结，无参考价值。
（完）

因为我很了解我自己，我不能对你承诺什么。

你不要说两次，说两次我就相信了。

我宁愿做一日英雄，都不想成世做条虫！


厨房里有煮好的饭，另外我还买了几个杯子，我知道，用不了多久就都会被打破，所以我偷偷藏起了一个，到有一天你需要那个杯子的时候，就打一个电话给我，我会告诉你放在什么地方。


我想告诉你，我找到那只杯子了。

     影片看完，苍蝇的嘶喊：“我宁愿做一次英雄也不愿做一辈子狗熊。”和警察们猝不及防且理直气壮的皮鞋脚步声在我脑际相互交织，徘徊不停。

   影片诞生于上世纪80年代的香港，此时的香港社会由于受大陆改革开放的影响，香港经济迎来了自50年代开始的工业化之后的又一次颠覆性的变革。转型社会的特征从影片几处细节可见一斑。

   虽为王家卫早期的作品，但已经能明显看出他的创作风格——对剧情的淡化和对细节的苛求。于是我也就几个侧重点来说说这部电影。

   追求梦想的狂热与辛酸：

   那是一个还算单纯是年代，灯红酒绿的歌舞团里歌女唱的还是情真意切的早期流行歌曲，人们在刚跨入现代社会时还没有完全舍弃朴素社会的朴素感情。万梓良在嘲笑苍蝇的时候用了一句，你回家耕田吧，这反映出对现代都市生活的优越感与满足感。华哥一次一次，义无反顾的、刚烈、直率的用酒瓶、用刀、用手枪径直的刺向对手的胸膛，在人头攒动的闹市，在众目睽睽之下奋力的奔跑，大失尊严的被人踢到在马路边，被群殴，这是多么辛酸多么不容易。然而对梦想对爱情对富裕生活的憧憬和向往又促使他一次又一次跑进象征着有利可图的地方的赌场。

   人置身社会的无可奈何：
  
   是否还记得华哥前女友说出的5年等待和她坚决的绝交誓言，是否还记得华哥听到她说她结婚后主动的冒雨离开，是否还记得张曼玉最后送走华哥时在车门前的低头不语和抬头时忧虑的眉头，是否记得万梓良在华哥逃走后对老板的低头哈腰，还有苍蝇婚礼上小弟岳父的埋怨，闹翻后小弟对妻子真诚的解释和道歉，还有华哥对张曼玉说的那句：我无法对你保证什么。。。。。边缘人在城市里是多么卑微和辛苦。
  难道主流社会的人就好了吗？狱警为了押解犯人送了命，在自己性命难保时还要保护住“高级刑犯”，急促坚定的脚步声难道是他们情愿的吗？张曼玉的医生在听说那晚她和表哥在一起后沉默的抽着烟而后骑单车飞快奔向哪？
  只有西装革履的“高级刑犯”被押解却平静而无所谓的微笑说明大资本家与大官僚是这个时代的“占有人”。

  公共汽车的红色是鲜亮的就像华哥为梦想奔命流下的鲜血，但鲜红映衬的是无处不在的灰暗面孔。

   还有那岌岌可危的感情：

   张曼玉是放弃了医生选择了自己心爱的华哥，但是华哥死了。。。苍蝇回家看望母亲，可是并未明确透露出的他继父对他冷漠是因为什么呢？苍蝇把所有的钱都给了小弟，可是自己死了，小弟也只能卑微的过活。




   这是一部让人同情的电影，就像它的英文名字《as tears go by》，难道值得同情的没有我们自己吗？ 如今的中国大陆已经跨入了21世纪的第2个十年，经济转型社会带来的人与人之间情感的疏离越来越严重，房奴、杯具、蜗居族、钉子户自焚这些热门词汇说明什么？怀有纯真的我们难道不是剧中人吗？

   

旺角卡门是我看得最晚的一部王家卫，而它却是王家卫的处女作。
As tears go by 。又是极为雅致的译名，那么些眼泪，最终还是消散在时间的灰烬里。

它没那么成熟，结尾有些仓促，只是清清楚楚地讲了个故事，比起同时代影片逊色了不少。有趣的是，今日无论导演或主演都早已功成名就斩获颇丰，回过头去看看他们27年前的样子，观影的体验和感受远比电影本身赋予的要多得多。

这应该是我见过的张曼玉最早的模样。肤白如玉，眸黑似墨，圆润到带点婴儿肥的脸庞，淡淡的有些不健康的唇色。见惯了她的素净、雍容、妩媚、凄艳甚至是歇斯底里，却是第一次看到这样简单天然的她，清水出芙蓉的美好。这部电影里的她不需要多好的演技，只要安安静静的站在那里就足够了。

这也是个很简单的故事。关于兄弟，关于爱情，关于生活。
乌蝇跟了华哥这个老大，是他悲剧中的幸运。那样一个老大，真真正正把他当弟弟一样维护和关心，自己舔着刀口过日子，却希望小弟能有份正当工作。但乌蝇这人，可悲可恨，又可怜可叹。他以一种执拗的病态的方式来表达自己的感情，“宁做一天英雄，不做一世乌蝇”，他接下死亡任务，收下安家费，打点好家人的生活，向欺负自己的人出了恶气……他不想再连累华仔这个大哥，推开他继续自己自杀式的冒险。而华哥，不顾后果地陪着小弟乌蝇踏上了这条不归路，你选择拿钱杀叛徒，我就帮你补枪确保他死透。只是大屿山的表妹阿娥，今晚不知又要等到多久？

-张小姐call你，买不买跌打药不要紧，最要紧是小心点，早点回来。

Flag立得这么丧心病狂，然而我还是期待着哪怕有0.01%的可能性，他最后会回去，活着回去。

这首聚焦于社会底层人物的宿命悲歌，却有一个带着绿草芳香的清新前奏。阿娥初初来时，画面只剩下黑白两色，黑发黑眸在白口罩的衬托之下格外幽沉。随着剧情推进，感情渐浓，她的唇色慢慢染上一点鲜红，那一抹亮色，像是一颗石子，投进了华仔平静的心湖。随着阿娥离去，画面出现一望无际的苍翠树林，餐厅里的红色桌布，小镇的红色巴士……

-到有一天你需要这只杯的时候，打个电话给我，我会告诉你藏在什么地方。
-我想告诉你，我找到那只杯了。

不愧是王家卫，情话总能说的那么诗意而浪漫。缠绵在心口，飘浮在空中。

随之到来的便是沉重压抑的副歌。很喜欢片中对暴力斗殴场景的处理。不管是地头蛇谈判，亦或是寻衅滋事，斗殴杀人，到最后乌蝇的赴死，画面都是沉静的浅蓝色，一来极大程度削弱了事件本身的暴力性，淡化了“黑社会”概念，聚焦于小人物的悲喜离合本身；二来加强与鲜红血液的对比，在华哥寻仇那一段，棍棒、砍刀、拳脚相加给的冲击远不如酒瓶破碎之后，华哥平静而压抑的脸上缓慢流下的鲜血。
乌蝇的一系列选择，将自己陷入万劫不复的同时，也无意识地将华哥推向了危险。每每都不自觉地想，你就安心当个鱼蛋仔啊，或是回老家啊，怎样都好啊，别害自己害别人了。然而这就像命运替他安排好的道路，无法更改，他注定当不了英雄，却又不接受自己小杂碎的命运。所以当那个不异于送死的任务出现时，他无疑成为揭榜者。

-我不配做你的细佬，你就当没我这个细佬，我以后都不会再连累你。

对乌蝇来说，结局或许是没那么的残忍的，至少，不知道他敬爱的大哥，最终还是为自己丢掉了性命。

-我们一向都不知道明天会怎样，对不对？去宵夜啦，走啦。

如果没有看过《旺角卡门》，我心目中的王家卫电影永远是一堆奢艳飘忽的视觉听觉符号。我从不知道，他也可以把电影拍得这么写实，把故事讲得这么清楚，把人生表现得这么残酷，像《旺角卡门》。而且这是王大导的电影处女作。我于是想起了毕加索。我对他后期的超现实主义和抽象主义作品毫不感冒，却对他早期一幅写实的少女肖像惊为天人。可能因为我是个老实人，就喜欢实在点的东西。
黑社会题材的电影，很多香港导演都拍过。江湖道义，很多电影都表现过。这部片子却有它自己的味道。没有复杂的情节和人物，全部故事的中心张力在于华仔（刘德华）和乌蝇（张学友），以及万梓良饰演的老大三人之间的冲突。华哥是乌蝇的大佬，他必须尽全力“罩”好乌蝇；而乌蝇一再与在黑道上颇有势力的万梓良起冲突。华仔因而再三被涉入其中，直至最后被杀。一入江湖身不由己的宿命感在这里被承袭。乌蝇不能回头，因为他曾说过，不发达不回家见母亲；华哥不能回头，因为他是乌蝇的“大佬”，“我不管你谁来管你”。
做“大佬”的要罩好“细仔”，做“细仔”的要绝对效忠于“大佬”，做一些轰轰烈烈的大事从而被人看得起，是这部电影中最重要的甚至可以用生命去捍卫的价值。这些价值在其后的香港黑帮片中不断被重复。类似的还有“复仇”。而“行侠仗义”、“为国为民”等古典江湖价值似乎完全被抛弃。
这仍然是一部男人的电影。张曼玉饰演的表妹阿娥，没能摆脱传统中国武侠电影中的女性角色——只是一种安定生活的象征，她没有足够的力量将男主角拉出江湖。这个角色只是为了丰富故事的结构、给华仔一个江湖与爱情之间的矛盾张力而存在。如果将女朋友的角色换成其他角色，如父母或儿女，依然存在这种张力，甚至可能更深刻更强烈。在我看来，可能与没有充分地讲好阿娥与华仔间的爱情故事有关。
全片让人印象最深的镜头，绝对当属华仔最后被警察击中后脑倒地时，最后一刻，那张得大大的眼睛。那双眼睛里有许多内容，有一点意外，有几分不舍，却令人意外地十分平静。像接受了自己的宿命。